Son nom restera Personne
Emblématique de la culture Américaine, le western est devenu un genre à part entière du septième art, et si son âge d’or est désormais révolu malgré quelques tentatives sporadiques de le revivifier, il n’en demeure pas moins qu’il aura légué aux jeunes générations cinéphiles de somptueux monuments cinématographiques.
Mon nom est personne (Il mio nome è Nessuno dans sa version originale) peut à ce titre être considéré comme un symbole à lui tout seul : digne représentant du western crépusculaire, oscillant entre comédie et drame, il offre au spectateur un tableau sordide de cette épopée qui par un effet miroir annonce la fin de la grande chevauchée du genre sur grand écran.
La conquête de l’Ouest, l’Histoire d’un peupleContrairement à ce que l’on serait amené à penser, la conquête de l’Ouest ne commence pas véritablement au XIXème siècle mais en réalité au… XVIIIème !
Vision iconoclaste du phénomène je le reconnais, elle trouve cependant sa justification dans la proclamation royale de 1763 lorsque Georges III, roi d’Angleterre d’alors et récent vainqueur de la Guerre de Sept ans consacrant la perte des colonies Américaines Françaises, interdit aux colons des treize colonies d’étendre leur présence au-delà des Appalaches.
Cette injonction sera l’une des causes du ressentiment des futurs Américains envers la couronne Britannique : tant de terres fertiles à portée de main mais leur étant interdites d’exploitation à la suite de l’engagement royal à ne pas spolier les peuples Indiens s’étant placés sous la protection de Georges III. L’avenir des populations indiennes ne pouvaient qu’être scellé une fois effectif la fin de la présence Britannique par le Traité de Paris de 1783.
L’indépendance chèrement acquise, l’achat de la Louisiane effectif et le retour de l’expédition de Lewis et Clark couronnée de succès, plus rien ne pouvait s’opposer à une colonisation en masse au-delà du Mississippi. Cette progression territoriale ne se faisant pas sans heurts, non seulement vis-à-vis des populations autochtones comme des voisins immédiats (Mexique, Canada) mais aussi à l’intérieur des communautés ayant fleuri sur ces nouvelles terres. Ces grands espaces où la réglementation de Washington parvenait étouffée allaient offrir aux Américains une période tumultueuse et riche, y compris dans le domaine culturel (cf les oeuvres du romancier James Fenimore Cooper).
Toutefois, de même qu’il y eut un début, la conquête de l’Ouest se devait d’avoir une fin. Non pas brutale à l’image de son existence, plutôt imposée par l’entremise d’une régularisation latente et inexorable des autorités fédérales sur les territoires colonisés.
C’est précisément à la jointure entre les deux siècles que se situe l’action du film cité (juin 1899 pour être parfaitement exact), élément d’importance puisque ce choix procéda d’une volonté de mieux faire ressortir la symétrie temporelle scellant la fin de deux époques.
La fin de la conquête de l’Ouest, la fin du western spaghetti
Porté au faîte du succès par le talent de réalisateurs doués tels que John Ford ou John Sturges, le genre s’essoufflera par lassitude après vingt années de bons et loyaux services au début des années 60 avant qu’une relève improbable ne provienne de l’autre rive de l’Atlantique.
Désigné avec condescendance par la dénomination de western spaghetti, le terme fut au contraire la marque de fabrique d’une génération de réalisateurs, acteurs et compositeurs d’origine Italienne de grand talent dynamitant le genre par des procédés techniques et scénaristiques totalement novateurs. Sergio Leone, Gian Maria Volontè, Ennio Morricone passèrent à la postérité pour leurs prestations mondialement reconnues.
D’autres firent leur chemin, baignés d’un moindre éblouissement par les projecteurs mais en engrangeant leur part du succès, notamment Terence Hill (de son vrai nom Mario Girotti) ainsi que Tonino Valerii.
Lorsque Tonino Valerii décida de réaliser Mon nom est Personne, il le fit dans un contexte où le genre avait déjà posé son empreinte à destination du grand public, devinant très certainement que le regain du genre western n’aura été que temporaire et voué à court terme à retomber dans le déclin (ce qu’il adviendra effectivement postérieurement à cette production).
Epaulé par Sergio Leone lui-même, le réalisateur Italien décida d’opter pour un tandem disparate qui fera le succès du film : un vétéran de la période dite classique, Henry Fonda, et un jeunot star du western parodique avec On l’appelle Trinita et On continue à l’appeler Trinita. La dichotomie au lieu d’engendrer l’anarchie créera bien au contraire un équilibre savant au sein du film en faisant alterner la grave figure d’Henry Fonda dans le rôle d’un pistolero en préretraite (Jack Beauregard) avec celui de Terence Hill en tant qu’adulte n’arrivant pas à sortir de l’enfance (Personne) et adulant Beauregard comme un héros en qui placer sa foi d’une société plus juste.
Le procédé permit surtout d’effectuer un passage de témoin annonçant le déclin irrémédiable du western spaghetti.
Une richesse technique, musicale et… philosophique
Tous les canons du genre se retrouvent condensés dans le film. Chemin de fer, saloon, grands espaces désertiques, indiens, chevauchée sauvage, mine d’extraction aurifère, duel un contre un, cowboy solitaire sur fond de soleil couchant. La technique elle-même s’en donne à cœur joie : contre-plongées, gros plans, instantanés en rafale, incrustations etc. L’accompagnement musical loin d’être en reste fait appel à toute la maestria d’Ennio Morricone en offrant des compositions tantôt à consonance badine, tantôt orientées vers le dramatique.
Hors la technique, c’est l’effet scénaristique et même philosophique qui détonne. Henry Fonda endossant le rôle du "bon" qui dans la plus pure tradition du western spaghetti n’est pas toujours animé des meilleurs sentiments et ne respecte pas à la lettre le code du héros propre sur lui quand bien même aurait-il un bon fond. Là en revanche où il y a novation c’est par la présence de Terence Hill qui malgré son aptitude au maniement du pistolet ne dédaigne pas s’amuser de ses adversaires avec des procédés relativement enfantins (le duel de claques dans le saloon étant un passage emblématique). Ce refus de se prendre au sérieux tranche nettement avec les scènes où Henry Fonda fait son apparition, et les rencontres entre les deux personnages sont souvent l’occasion pour eux de confronter leur vision de la vie. L’idéalisme et l’insousiance de la nouvelle génération répondant à la fatigue et au désabusement de l’ancienne dépassée par l’évolution sociale.
Paradoxalement, le duel final qui clôture d’ordinaire chaque production du genre est au contraire démystifié. Un trompe-l’œil qui lorgne moins vers l’ironie (bien que présente) que vers la nostalgie d’une époque où toute empreinte de violence et de vices qu’elle était, elle n’en recelait pas une marque de sincérité où l’homme devait faire face à son destin par sa propre habilité. Le véritable duel voulu par Personne répond comme une bataille des temps anciens par son anachronisme en une période où le crime est devenu organisé au point qu’un homme seul ne peut plus faire la loi à force de balles comme le relèvera Beauregard à la toute fin de l’histoire. Cependant c’est paradoxalement cette volonté d’affronter l’adversité en dépit de la disproportion des forces en présence qui permet à Personne de croire en un héros capable de se dresser contre un tel rassemblement de bandits.
Du reste, bien que Personne se présente sous ses dehors infantiles il se dévoile aussi comme un individu plein de bon sens aux aphorismes cinglants du genre : « on rencontre parfois son destin sur la route qu’on a prit pour l’éviter ».
On relèvera aussi l’hommage malicieux rendu à Sam Peckinpah, d’une part par l’appellation de la horde sauvage tirée du titre d’un des films emblématiques du réalisateur Américain puis du fait de sa propre nomination sur l’une des tombes du cimetière indien par l’un des protagonistes du métrage.
Et pour finir, comment ne pas saluer l’épanadiplose de la scène du barbier ? Répondant chacune au trait de caractère du protagoniste la jouant.
La dernière cartouche
Moins parodique qu’il ne le laisse accroire, Mon nom est Personne est au contraire un émouvant monument réalisé et joué par des acteurs sachant que l’âge d’or est désormais révolu, et qu’à l’instar de la conquête de l’Ouest tout a une fin. Le récit d’adieu du vieux pistolero à la fin du film sonne comme une épitaphe du genre, à la fois désabusé et empreint d’une non moins véritable tendresse pour une période violente mais non exempte d’idéaux et de liberté. Une dernière cartouche en or massif tirée pour l’honneur et pour le plus grand plaisir des cinéphiles.
22 réactions
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stephanemot
12 août 2009 10:20
J’avais adore le film a sa sortie mais nettement moins la seconde fois : j’avais un peu grandi entretemps, et la farce parait franchement un peu trop grossiere. c’est un peu le spaghetti qui se mord la queue.
restent la musique et quelques trouvailles.
mais il etait une fois dans l’ouest n’a pas pris une ride. -
Hieronymus
12 août 2009 13:03
Bonjour
c’est vrai que ce film « mon nom est personne » marque un tournant
et d’une certaine facon la fin de l’archetype du western spaghetti
Terence Hill est du genre pur comique, avec lui fini le lyrisme
il me semble impossible d’evoquer la fabuleuse saga des westerns et de ce qui est son type le plus abouti en meme temps qu’une forme de pastiche sublime le western spaghetti, veritable marque de fabrique, sans avoir en tete son acteur fetiche Clint Eastwood et le film qui lanca en 1965 de facon magistrale cette revolution cinematographique « pour quelques dollars de plus » ..
metteur en scene Sergio Leone, musique de Ennio Morricone, deja tout y est !
qu’est ce qui fait le genie de ce film ? qu’est ce qui le differencie donc tant des autres western americains qui l’ont precede ?
sa dimension esthetique ! la facon dont le realisateur italien saisit la magie des paysages de l’ouest, ses immenses ciels bleus a perte de vue, ce decor mineral et eclatant de soleil, les petites maisons blanches ou baraquements en bois, la poussiere soulevee par les roues de chariot, les visages basanes la mine gouailleuse et l’air remuant des chicanos a cote de la demarche feline de Clint Eastwood avec son port altier et tout en retenue, et surtout cette lenteur ds la facon de tourner et de contempler parfois le silence au milieu de cette nature sauvage, bref le lyrisme ..
les americains peuple neuf et denue de toute melancolie n’ont jamais su developper l’esthetisme comme un vieil europeen de souche, cette appellation ironique due aux origines italiennes du realisateur designe en fait un genre majeur ds l’histoire du cinema qui reste inegalable au niveau de la beaute des images et du reve merveilleux qu’il continue de provoquer en nous !-
Yannick Harrel
12 août 2009 15:20
Bonjour,
C’est juste, le coup d’oeil des réalisateurs Italiens donnent un aperçu du grand Ouest totalement revisité par rapport à leurs homologues d’outre-Atlantique. En plaçant le décor lui même comme un acteur dans le film et non un banal support sans âme.
Cependant c’est aussi dans la peinture des personnages mis en avant qu’un souffle frais nous inonde : terminé les gentils cowboys et les méchants indiens/mexicains, dorénavant on a affaire à des chasseurs de primes aux méthodes contestables ; des cowboys tourmentés par leur passé, prêts à enfreindre la loi ; des brutes inspirant plus la pitié que l’antipathie ; des hommes sadiques et lubriques etc.
Somme toute, des êtres moins caricaturaux, plus humains. Cette approche psychologique fera partie des raisons du succès du « western spaghetti ».
Cordialement
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Yannick Harrel
12 août 2009 15:32
Bonjour,
Laissez-vous tenter, la version simple doit se situer aux alentours de 10€ dans le commerce.
Pour Henry Fonda, sa présence est loin d’être anodine aux côtés de Terence Hill effectivement : c’est un trait tiré sur le western classique qui annonce aussi celui du spaghetti. Il me semble à ce titre que c’est la dernière apparition de ce grand monsieur au sein d’un western d’importance, préférant par la suite se tourner vers les films catastrophes.
Cordialement
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fergus
12 août 2009 14:30
Merci pour cette article, Yannick, et pour cette évocation d’un film que j’aime énormément. Un film qui ne prend pas la tête (il est traité sur un ton de farce) mais qui n’en aborde pas moins de vraies questions sur l’existence, le besoin de notoriété ou l’aspiration à la sérennité.
A voir, ne serait-ce que pour la charge des « 50 fils de putes » et la bande-son, dominée par un étonnant et envoûtant traitement de la « chévauchée des Walkyries ». Foi de mélomane pourtant peu friand de transpositions iconoclastes ! -
Moristovari
12 août 2009 14:38
Ce film concentre tant de thèmes et de réflexions qu’il en remonte à bien des films « d’auteurs » ou « intellectuels ».
La fin de la conquête de l’ouest, la confrontation entre quatre visions du western (classique à la Ford, crépusculaire à la Peckinpah, spaghetti à la Léone et comique à la Trinita), un rapport maître-élève étonnant. Dans l’ordre naturel des choses, un élève doit trahir son maître pour être maître à son tour - à la manière d’un fils qui doit tuer le père pour devenir adulte. Dans ce film Personne concrétise cette idée tout en la sublimant : le meurtre est ici un simulacre cachant une volonté de rendre hommage au maître et à son enseignement en leur procurant l’immortalité. A la fin tout le monde est satisfait : Beauregard part tranquillement à la retraite ; Personne, libéré d’obligation envers son maître pour l’avoir fait entrer dans les livres d’Histoire, peut vivre sa vie à sa façon.
Ce film est à l’image du rapport entre Beauregard et Personne : généreux, dénué d’esprit revanchard ou de jugement. Mon nom est personne réconcilie plusieurs visions du western mais marquera surtout l’Histoire comme étant le chant du cygne d’un genre jusqu’alors majeur du cinéma.
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norbert gabriel
12 août 2009 15:15
le chant du cygne d’un certain type de western made in Hollywood années , mais Estwood a repris le flambeau avevquelques films qui resituent, et rénove le genre en lui donnant une dimension tragique « cornélienne »
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Yannick Harrel
12 août 2009 16:19
Bonjour,
Et je me demande si le grand Clint n’a pas lui même voulu avec son récent « Gran Torino » parodier sa propre filmographie, notamment ses apparitions western ?
A ce propos, il faudrait que je visionne « Impitoyable » dont on m’en a dit le plus grand bien.
Cordialement
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finael
12 août 2009 17:34
Bonjour,
J’adore ce film, et son fourmillement de clin-d’oeils à des célébrités d’une autre époque.
D’accord, j’adore les westerns ... et les différents styles, de « Rio Bravo » à « Il était une fois dans l’ouest », en passant par « le train sifflera 3 fois » ou « Little Big Man ».
J’en profite pour faire remarquer deux choses :
- La très grande majoritédes westerns ne présentent pas les indiens comme des sauvages et des méchants. En général les méchants sont des blancs.
- La période représentée (en général le XIXème siècle), fut - historiquement parlant - l’une des plus calme, en ces endroits, au niveau des crimes : meurtres, vols et autres ... principalement parce que dans des conditions aussi dures (la maladie y a par contre fait des ravages), les gens se serrent les coudes. La « horde sauvage », Billy the Kid, ... ont bel et bien existé, mais jugé avec le recul de l’histoire, ils n’ont quasiment rien fait.-
Moristovari
12 août 2009 20:22
La seconde remarque est insolite. Y’a-t-il des sources pour l’étayer ?
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finael
12 août 2009 22:31
Il suffit de les voir.
Citez moi un classique quelconque avec de méchants indiens.
« La charge héroique » ? Le titre original est « She wore a yellow ribbon » c’est une histoire de compétition entre 2 officiers pour une jolie femme.
« Les 7 mercenaires » ? où sont les indiens ?
« réglement de compte à OK Corral » ? Pareil
etc ... -
Moristovari
13 août 2009 11:33
Il y a méprise : étant meilleur cinéphile qu’historien, c’est votre remarque sur la tranquillité du far-west qui m’intrigue.
Pour celle concernant les westerns et les indiens, il ne fait aucun doute qu’elle est fausse. N’oublions pas qu’en 1950, le cinéma avait déjà un demi-siècle derrière lui. Si tous les westerns n’ont pas d’indiens comme personnages, la plupart des pionners du genre les montrèrent d’une manière caricaturale, voir dégradante. Cette image des indiens donnée par le cinéma s’est heureusement progressivement améliorée avec le temps.
Dans les premiers westerns les indiens étaient pour les scénaristes une simple « force de la nature » dangereuse créatrice de péripéties pour le héros - cowboy, colon ou cavalerie. Par la suite de meilleurs scénarios apparurent, humanisant un peu les personnages principaux mais restant manichéen avec les autres dont les indiens, alors rarement dotés de qualités sympathiques, sauf notables exceptions. C’est seulement au début des années 50 qu’arriva une vague de film pro indien. Échantillon de cette avant-garde : La flèche brisée 1950, La Porte Du Diable 1950, Bronco Apache 1954, La dernière chasse 1956...
Une critique de 1966 à propos du Massacre de Fort Apache, 1947 : « Le film a une importance quasi historique : pour la première fois, l’indien y était représenté avec sympathie, comme une victime de l’homme blanc ».
Une critique de 1978 à propos de Bronco Apache, 1954 : « C’est avant tout pour sa réhabilitation de l’indien au cinéma que Bronco Apache marque une date. »
Quand aux westerns ne ménageant guère les indiens, les décennies 30-40 n’en manquent pas. Pour l’exemple, citons « le premier rebelle » 1939.
A la fois symbole privilégié du danger de l’ouest sauvage, victime d’un racisme anti-indien encore présent dans l’imaginaire collectif et sujet tabou touchant un génocide (que l’Amérique taira au plus fort de son patriotisme jusqu’aux années 1950, début des désillusions), l’étiquette de méchant et de sauvage des indiens fut bien, et longtemps, une réalité au cinéma.
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Radix
12 août 2009 18:20
Bonjour
" Le procédé permit surtout d’effectuer un passage de témoin annonçant le déclin irrémédiable du western spaghetti."
Je ne suis pas d’accord avec cette interprétation, en fait c’est presque le contraire !
Beauregard symbolise le western américain classique et Personne le western spaghetti, c’est un passage de relais qui est en fait l’avis de décès du western américain.
Personne ne peut plus tourner un western à la John Ford sans intégrer l’apport de ce nouveau style.
C’est ce que ce film montre !Radix
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Yannick Harrel
13 août 2009 01:01
Bonjour,
En réalité je ne trouve pas d’autre film marquant du genre après « Mon nom est Personne » sur la même période. Les grands noms qui ont marqué leur époque n’arriveront plus à entretenir la flamme (enfin le coup de feu plutôt) du western.
Moristovari est dans le vrai me semble-t-il lorsqu’il parle d’une confluence entre quatre types de western avec ce long-métrage, un pot-pourri qui ferait office de pot d’adieu.
Dernièrement j’ai visionné « 3h10 pour Yuma » mais sans avoir vu le film original (datant de 1957), et je dois avouer que s’il se laisse très agréablement regarder, on sent qu’il manque quelque chose. Et comme pour certaines productions récentes, on sent que c’est voué à demeurer un coup de feu isolé, et non l’annonciateur d’une nouvelle charge.
Cordialement
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